Trotz der Tatsache, dass sowohl die Pandemie als auch die Unsicherheit in Bezug auf Kinobesuche anhalten, war 2022 bereits ein solides Jahr für das Kino.Auf halbem Weg ist ein offensichtlicher Trend unserer Bestenliste das Fehlen von Big-Budget-Tentpoles: The Batman und Downtown Abbey: A New Era wurden nicht gut genug aufgenommen, um eine Aufnahme zu rechtfertigen, und noch weniger wurde über Jurassic gesprochen Welt: Dominion , desto besser.Top Gun: Maverick ist jedoch mehr als nur eine kommerzielle Erfolgsgeschichte, also gib Studiofotos noch nicht auf.Was diese Liste stattdessen dominiert, sind Indie-Distributoren – durchdachte, bescheidene Kost mit ehrgeiziger emotionaler Reichweite.Was die Scorecards angeht, ist A24 kaum zu schlagen: Alle fünf 2022 veröffentlichten Features des Studios gehören zu den Favoriten von The AV Club.Lesen Sie weiter für unsere chronologische Zusammenfassung der bisher am besten bewerteten Filme des Jahres.Der Walk-and-Talk in New York City ist zum Markenzeichen des Autors und Regisseurs Adam Leon geworden.Seine Arbeit spricht eine unverwechselbare Sprache des liebevollen NYC-Geschwätzes, irgendwo zwischen offenherzigem Teilen und großspurigem Bullshit.Bits und Stücke von Italian Studies ähneln ein paar neueren und zugänglicheren Filmen von etablierten Filmemachern, darunter C'mon C'mon und Licorice Pizza.Leon malt ähnlich offenherzige Porträts, und wenn jemand Opazität überzeugend machen kann, dann ist es Vanessa Kirby.Durch ihre Vorsicht, das Aufflackern von Panik, das von Aggressionsblitzen gejagt wird, und ihre flüchtige Bindung an Simon findet Kirby eine Figur, auch wenn diese Figur darum kämpft, sich selbst zu finden.[Jesse Hassenger] Lesen Sie hier unsere Rezension.Sobald Sie anfangen, sich mit der Krise vermisster und ermordeter indigener Frauen und Mädchen (oft mit dem Akronym MMIWG abgekürzt) zu befassen, sind die Zahlen überwältigend.Wie könnte sich jemand angesichts eines so massiven Problems wehren?Kaylee (Kali Reis), die Heldin von Catch The Fair One, weiß, dass sie es versuchen muss.Der Autor und Regisseur Josef Kubota Wladyka baut Kaylees Geschichte mit flottem, realistischem Dialog und effizientem visuellen Geschichtenerzählen auf, legt in den ersten 15 Minuten des Films alles Wesentliche fest und lässt Wladykas Kamera frei, um sich auf Reis zu konzentrieren, dessen unverwechselbare gepiercte Wangen und tätowierter, muskulöser Körperbau zieht natürlich Augen in ihre Richtung.Aber es ist ihre Entschlossenheit und Intensität, die sie dort hält.Kaylees düstere Realität ist eine Welt, in der harte Arbeit belohnt und das Leben der Ureinwohner gefeiert wird – und es trifft wie ein Kinnhaken.[Katie Rife] Lesen Sie unsere Bewertung hier.Regisseur Kogonadas zweiter Spielfilm After Yang ist so eine stille Bombe der Großartigkeit, dass es nicht schwer zu verstehen ist, warum er vielen Leuten entgangen ist.Abgesehen von einigen lustigen Szenen über die Zeit der zukünftigen Familienbindung ist der Film eine stille Meditation über Kultur, Leben, Familie, Elternschaft und den eigenen Platz in all dem.Die grundlegende Handlung konzentriert sich auf eine Familie (Colin Farrell und Jodie Taylor-Smith) in der Zukunft, in der KI-Humanoide gekauft werden, um im Haushalt zu helfen.In diesem Fall heißt die KI Yang (Justin H. Min) und er wurde gekauft, um nicht nur als Kindermädchen zu helfen, sondern auch der chinesischen Adoptivtochter des Paares, Mika (Malea Emma Tjandrawidjaja), ein Gefühl für die kulturelle Hintergrundgeschichte zu vermitteln.Yang ist zu einem wichtigen Teil der Familie geworden.So sehr, dass Farrell, wenn er zusammenbricht, wie alle KIs, sich auf eine Mission begibt, um zu versuchen, ihn reparieren zu lassen und sich und seine Familie dabei zu reparieren.All das aufzuschreiben, wird diesem ruhigen, meditativen und schönen Film nicht gerecht.[Don Lewis] Lesen Sie hier unsere Rezension.Der Pixar-Film von Regisseurin Domee Shi hätte zu keinem wichtigeren Zeitpunkt kommen können, indem er komplexe asiatische Charaktere (und insbesondere mehrere Generationen von Frauen) in den Mittelpunkt einer Geschichte stellt, die ihre Mehrdimensionalität erforscht und feiert.Turning Red gibt denjenigen Sicherheit, die diese Erfahrungen im wirklichen Leben teilen, und bietet denjenigen, die dies nicht tun, eine Chance.Shi erzählt eine eindrucksvolle Geschichte über das Erwachsenwerden, sich anpassen und sich selbst finden in einer Zeit, in der emotionale Reaktionen auf die Welt am schwierigsten zu handhaben sein können, und bringt die Volatilität von Teenagern scharf in den Fokus, einen mentalen Zustand, an den sich Erwachsene immer nur schwer erinnern können.Besonders in einer Zeit, in der asiatische Frauen in Nordamerika so viel Hass und Traumata ertragen müssen, ist Turning Red eine kleine Ruhepause, die sie und ihre Kultur feiert und direkt Generationen von asiatischen Frauen in der Diaspora anspricht, wenn sie dies am dringendsten brauchen.[Todd Gilchrist] Lesen Sie hier unsere Rezension.Die besten Filme von Ti West haben die Spannung zwischen Alt und Neu erforscht;Progressive Ideen über Sex kollidieren mit klassischen Slasher-Tropen in X , seinem bisher beliebtesten Titel.Mit blauem Lidschatten, gefiedertem Haar und einer Gallone Lipgloss bekleidet, gebietet Mia Goth die Superstar-Bewunderung, nach der sich ihre Figur sehnt, gegenüber einer Nebenbesetzung, darunter Martin Henderson, Brittany Snow, Scott Mescudi, Jenna Ortega und Owen Campbell.Von einer Eröffnungsaufnahme, die wie ein 16-mm-Filmtor eingerahmt ist, bis hin zur knallroten Titelkarte, die dem Bewertungssystem der MPAA ähnelt, backt West eine Orgie kultureller Eintagsfliegen der 1970er Jahre in einen schäbigen visuellen Look aus der Zeit von American International Pictures, der alles von Deep Throat bis The Texas heraufbeschwört Kettensägenmassaker.[Todd Gilchrist] Lesen Sie hier unsere Rezension.Der andere Film über eine verstörte Mutter, die in einem Multiversum des Wahnsinns gefangen ist, hat vielleicht weniger auffällige Sam Raimi-Monster, aber er macht das mit einer Fülle von Ideen mehr als wett.In Everything Everywhere All At Once betreibt Evelyn von Michelle Yeoh einen Waschsalon in unserer Dimension, aber in einer anderen ist sie ein Fels mit Kulleraugen.Oder ein Koch, der mit einem brillanten Waschbären arbeitet.Oder Jamie Lee Curtis' Liebhaber mit den Hotdog-Fingern.Aber die als Daniels bekannten Filmemacher sind nicht völlig verrückt, also gibt es natürlich auch einen, bei dem sie in den Arsch tritt.Evelyn muss sich einer allmächtigen Variante ihrer Tochter stellen (gespielt von der Breakout Stephanie Hsu), die alle Realitäten überwindet, und muss sich der Herausforderung stellen, nicht indem sie die tödlichste Kämpferin des Universums ist, sondern indem sie lernt, ihre Feinde zu lieben und selbstlos zu geben.Yeoh mag die Show dominieren, aber die Comeback-Geschichte von Ke Huy Quan erwärmt das Herz einer ganzen Generation.Früher Short Round in Indiana Jones und der Tempel des Todes, war er ein Held für viele 80er-Kids, die er sein wollten.Als Evelyns liebevoller Ehemann, der Selbstaufopferung, Freundlichkeit und Hoffnung preist, bleibt er ein Vorbild für dieselben Kinder, die jetzt mit dem mittleren Alter zu tun haben.Und wenn das zu sentimental klingt, warten Sie einfach auf den Teil, in dem Trophäen als Analplugs verwendet werden.[Luke Y. Thompson] Lesen Sie hier unsere Rezension.Mit Apollo 10 1/2: A Space Age Childhood liefert Regisseur Richard Linklater seine Version von Fellinis Amarcord oder Woody Allens Radio Days: eine im Wesentlichen handlungslose, aber fesselnde und bereichernde Erinnerung an die Kindheit, die von Wärme, Anmut, Ehrlichkeit und kristalliner Spezifität durchdrungen ist.Wie bei Linklaters 12-jähriger Produktion Boyhood liegt der Ruhm im Detail, wie zum Beispiel, wie sich Kinder die Zeit totschlagen, wenn es an einem Samstag regnet, oder wie man Songs für Tastentelefone schreibt.Aber es gibt weder das Gefühl, die Vergangenheit zu schimpfen, noch das Murren, dass es so sein sollte.Es wird nur berichtet.Inzwischen gibt es keine universelle Kindheitserfahrung;Für Kinder in Stans Alter wissen sie nicht, dass es auch das letzte Mal sein könnte, aber die Art und Weise, wie Linklater den aufregenden freien Fall dieses Moments einfängt, sollte jeden Erwachsenen zum Lächeln bringen.[Jordan Hoffman] Lesen Sie hier unsere Rezension.Cow , Andrea Arnolds erster Dokumentarfilm, ist ein Film, in dem ihre Regiehand so leicht zu spüren ist, dass unsere Beziehung zu Luma, ihrer bovinen Protagonistin, fast persönlich wird.Es gibt keine Erzählung oder Dialog, abgesehen von muhenden Kühen und gelegentlich belauschten Äußerungen eines Landarbeiters.Diese Addition durch Subtraktion führt zu einer der fesselndsten Tierdokumentationen, die Sie jemals sehen werden.Sein beobachtender Aufnahmestil ist einfach, aber reich an alltäglichen Details.Sein Storytelling ist moralisch neutral, aber voller Momente, die den Zuschauer dazu verpflichten, unseren Umgang mit Nutztieren zu hinterfragen.[Mark Keiser] Lesen Sie hier unsere Bewertung.Selbst die größten Bewunderer von Gaspar Noe könnten seine Filme als Härtetests bezeichnen.Er will provozieren, provozieren, ja sogar krank machen, ohne dem Betrachter den Luxus zu erlauben, wegzuschauen.Aber mit Vortex will er uns zum Weinen bringen.Nicht, wie es die meisten Filmemacher tun würden, indem sie sentimental sind, sondern das genaue Gegenteil – ein absolut schonungsloser Blick auf ein altes Ehepaar (Dario Argento und Francoise Lebrun), während sich ihr Gesundheitszustand verschlechtert und sie sterben.Der Bildschirm wird buchstäblich zwischen den beiden aufgeteilt, während Demenz und Herzprobleme sie weiter auseinander treiben, und spiegelt eine streng atheistische Sichtweise eines gleichgültigen, vergesslichen Universums wider, in dem der Tod nur ein weiterer Teil eines endlosen Kreislaufs sein kann, aber ein verheerender auf einem Mikro -eben.Wenn Argento zu seinem Wort steht und dies zu seiner einzigen Hauptdarbietung macht, ist es eine gewaltige Leistung, die es wert ist, dem erfahrenen Schauspieler Lebrun gegenüberzustehen, und eine ernsthafte Wendung des Komikers Alex Lutz als ihr Junkie-Sohn.Wie jeder Noe-Film ist er auf eine Art und Weise bestraft, auf die nicht jeder Bock hat.Aber im Gegensatz zu den meisten anderen geht es hier nicht darum, dass Menschen einander Schaden zufügen;Vielmehr tun sie das Beste füreinander, da die Zeit selbst den ganzen Schaden anrichtet.Für Noe ist das eine ziemliche Entwicklung.Für den Zuschauer tut es genauso weh.Im richtigen Sinne.[Luke Y. Thompson] Lesen Sie hier unsere Rezension.Operation Mincemeat , ein äußerst fesselndes Spionagedrama aus dem Zweiten Weltkrieg von Regisseur John Madden, beginnt mit einer Voice-Over-Erzählung, die behauptet, dass eine gute Geschichte das Sichtbare und auch das Verborgene enthält.Im Laufe von mehr als zwei Stunden fährt der Film fort, dieses Axiom zu veranschaulichen und seine tieferen Wahrheiten auszugraben.Basierend auf faszinierend unwahrscheinlichen Ereignissen aus dem wirklichen Leben hat der Film genug Nacht-und-Nebel-Intrigen und historische Details, um die Art von Hardcore-Subgenre-Enthusiasten zufrieden zu stellen, die die umfassende, 39-bändige Time Life Books-Serie über den Zweiten Weltkrieg zu einem Dauerbrenner gemacht haben Vatertagsgeschenk.Aber es ist auch durchdrungen von einem humanisierenden Gefühl der Unsicherheit, moralischer Komplikation und sogar Wehmut über die Art und Weise, in der dieses Werk auf seinen Praktizierenden lastet, für eine insgesamt lohnende Erfahrung, selbst für diejenigen Zuschauer, die Kriegsdramen traditionell meiden.[Brent Simon] Lesen Sie hier unsere Rezension.Happening, Gewinner des Hauptpreises der Filmfestspiele von Venedig im Jahr 2021, dient als erschreckende Erinnerung an Zeiten vor der Legalisierung der Abtreibung.Basierend auf dem halbautobiografischen Roman von Annie Ernaux aus dem Jahr 2000 erzählt der Film unerschrocken die erschütternde Tortur einer 23-jährigen Studentin, die ihre Schwangerschaft im Jahr 1963 in Frankreich abbrechen musste.Regisseurin und Co-Autorin Audrey Diwan nähert sich dem Stoff mit der kühlen Distanziertheit einer Fliege an der Wand, was zu einem strengen Thriller im Stil von 4 Monate, 3 Wochen und 2 Tage führt.[Martin Tsai] Lesen Sie hier unsere Rezension.Das Nicolas-Cage-Fandom kann viele Formen annehmen.Einige Zuschauer bevorzugen seine Oscar-Bewerbungen, wie Moonstruck und Leaving Las Vegas, wo er seinen Schmerz greifbar macht.Viele mögen ihn, der sein Bestes in absurden Actionfilmen mit hohem Konzept wie Con Air und Face/Off gibt.Andere, besonders die extrem online, bevorzugen ihn in angeblich „schlechten“ Filmen wie The Wicker Man und Drive Angry, die seine Bereitschaft ausnutzen, Obszönitäten zu schreien und unsinnige Tiraden zu liefern.The Unbearable Weight Of Massive Talent spricht all diese Ecken brillant an, indem eine fiktive Version von Cage seinen größten Fan (Pedro Pascal) trifft und in eine CIA-Verschwörung gestoßen wird, aus der er sich improvisieren muss.Er wird high, er dreht durch, er verkleidet sich – jede Version von Cage taucht auf, um zu spielen.Obwohl es sich im Wesentlichen um eine abendfüllende Version verschiedener Memes handelt, hat The Unbearable Weight Of Massive Talent kein Recht darauf, durchgehend so unterhaltsam zu sein, wie es ist.Highlight Reel und postmoderne Kritik zugleich, zelebriert es angemessen einen Performer, der konsequent alles gibt ... auch wenn das alles nicht immer verdient war.[Luke Y. Thompson] Lesen Sie hier unsere Rezension.Filme über Kindheitstraumata kommen selten so stark untertrieben daher wie Montana Story.Der Film entfaltet sich unter einem so klaren und weiten Himmel in Montana, dass Sie fast spüren können, wie der Wind durch Ihr Haar peitscht.Owen Teague und Haley Lu Richardson spielen Cal und Erin, entfremdete Halbgeschwister, die sich auf der Ranch ihrer Familie wiedervereinigen, um sich von ihrem sterbenden Vater zu verabschieden.Es ist ein Wiedersehen, das weder die Geschwister erwartet noch gewollt haben.Aber der leere Himmel und die endlosen sanften Hügel bieten ihnen keinen Ort, an dem sie sich verstecken können, als sie sich endlich ihren Gefühlen gegenüber ihrem Vater und einander stellen.Dies ist ein tief empfundenes Werk, das von zwei erdigen Darbietungen verankert wird, die klein bleiben, egal wie melodramatisch die langsam enthüllten Geheimnisse werden ... [Mark Keiser] Lesen Sie hier unsere Rezension.Die Brillanz von Autor/Regisseur Ninja Thybergs Pleasure liegt nicht nur darin, dass es ein provokativer und kompromissloser Blick hinter die Spitzenvorhänge der Pornoindustrie ist.Vergnügen ist auch brillant, weil es um jede Branche gehen könnte, in der die Grenze zwischen der Agentur eines Arbeiters und seiner Ausbeutung dünner ist als ein G-String.Sofia Kappel gibt eine gewagte und ungefilterte Darbietung als Linnéa, die neu aus Schweden in Los Angeles angekommen ist und davon träumt, ein Pornostar zu werden.Der Preis des Ruhms ist, dass sie sich mit jedem Schritt auf der extrem wettbewerbsfähigen Leiter der Branche weiter erniedrigen muss.Das Vergnügen von Pleasure kommt von seiner unerschrockenen, aber überraschend ausgeglichenen Darstellung des Pornogeschäfts.Ohne didaktisch oder moralisch definitiv zu sein, thematisiert der Film die Idee des weiblichen Selbstwerts in einer Welt patriarchalischer Macht.Thyberg spielt mit unseren Erwartungen und beschämt uns fast, weil wir annehmen, dass ihr Film billiger und erotischer wäre als die Erforschung von Ehrgeiz und Freundschaft, die sie beabsichtigt hatte.Wie Brent Simon es ausdrückt: „Vergnügen wird durch die Perspektive eines Außenstehenden getragen und erhöht, die sich sowohl von den eher voyeuristischen Elementen seiner Erzählung als auch von vielen eindeutig amerikanischen Urteilen über sie löst.“[Mark Keiser] Lesen Sie hier unsere Bewertung.Hold Your Fire, ein bemerkenswerter und offener Dokumentarfilm von Stefan Forbes, beschreibt eine Geiselnahme von 1973 zwischen einer Gruppe von Möchtegern-Dieben und der NYPD, die viel schlimmer hätte ausgehen können, als sie es tat, und im Wesentlichen die Kunst der Geiselverhandlungen in Gang brachte, wie sie existiert heute.Forbes verwendet eine Mischung aus Archivmaterial – einige sehr Bilder aus der French-Connection-Ära von blauen Polizeijacken und Stadtbussen, die für WPLJ-FM-Radio werben – und Interviews mit überlebenden Zeugen.Auf den ersten Blick scheint der Vorfall einfach zu sein, aber bei genauerem Hinsehen tauchen Nuancen auf.Jedem mündigen Zuschauer wird klar, dass die anfängliche Sackgasse auf schwerwiegende Fehleinschätzungen auf „beiden Seiten“ zurückzuführen war, aber nur eine Gruppe ist derzeit bereit zuzugeben, dass sie möglicherweise auch nur geringfügig falsch lag.(Spoiler: die versöhnliche Gruppe, es wird Sie vielleicht nicht überraschen, sicher nicht die Bullen.) [Jordan Hoffman] Lesen Sie unsere Rezension hier.Horrorfilme, die auf dem Trauma einer Hauptfigur basieren, übervölkern das Genre in letzter Zeit sicherlich.Wenn es jedoch so viele verschiedene Arten und Ebenen von Traumata zu erforschen gibt, ist dies ein großartiger Einstiegspunkt und eine Möglichkeit, wirklich herauszufinden, wie sich Traumata manifestieren können.Dies ist der Fall bei Alex Garlands ausgezeichnetem und gruseligem dritten Spielfilm.Während Men in der Tat ein ziemlicher Film ist, ist er wahrscheinlich etwas weniger solide als seine vorherigen Filme Ex Machina und Annihilation.Aber selbst diese Einstellung bedeutet nicht, dass dies kein großartiger Film ist – das ist er.Jessie Buckley spielt Harper, eine Frau, die eine schwer traumatische Situation durchgemacht hat und, um sich zu erholen und mit ihrem Leben weiterzumachen, ein idyllisches Häuschen auf dem Land in England mietet.Abgesehen von einem tropfenden Klumpen eines Hausmeisters (Rory Kinnear, der alle männlichen Rollen außer der von Harpers Ehemann spielt), scheint zunächst alles perfekt zu sein.Aber schon bald kreuzt Harper die Wege aller möglichen giftigen Männer und einer ätherischen Kreatur im Wald, die, obwohl sie ein uraltes Wesen ist, immer noch ein giftiger Mann ist.Ja, „Men“ ist ein bisschen künstlerisch und viel auf der Nase, aber es ist auch ziemlich verdammt seltsam und auf ruhige Weise einnehmend.Jordan Hoffman nannte den Film ein „aufregendes, verrücktes Meisterwerk“, und ich neige dazu, dem zuzustimmen.[Don Lewis] Lesen Sie hier unsere Rezension.Top Gun: Maverick ist die beste und größte Überraschung des Jahres, zum großen Teil, weil es so sehr hätte schief gehen können.Eine Fortsetzung 36 Jahre nach dem Original?Jahre nach dem Tod des ursprünglichen Regisseurs Tony Scott?Ohne die meisten der ursprünglichen Nebendarsteller?Wenn Tom Cruise wie eine Interkontinentalrakete auf 60 zugeht?Doch hier sind wir.Maverick liegt bei 1 Milliarde US-Dollar und ist immer noch auf dem Vormarsch.Es hat – zu Recht – meist begeisterte Kritiken erhalten.Es stellt die Top-Gun-Formel nach, mit Miles Teller in der Cruise-Rolle.Teller bringt es auf den Punkt und verleiht Rooster gleichermaßen Übermut und Sympathie.Cruise ist in Topform, wobei Maverick durch die Zeit, das Ego und die Umstände ein paar Kerben verloren hat, aber bereit ist, sich der Gelegenheit zu stellen, wenn es darauf ankommt.Cruise gibt eine großzügige Leistung ab, lässt Teller und die anderen jungen Wilden glänzen und teilt echte Chemie mit Jennifer Connelly (im Gegensatz zu seinen funkenlosen Interaktionen mit Kelly McGillis).Joseph Kosinski führt mit Stil Regie und fügt die richtige Portion Nostalgie hinzu, von den Liedern über ein Beach-Football-Spiel bis hin zu Rufen an bekannte Charaktere.Und Val Kilmers Szene als Iceman ist perfekt.Kosinski neigt zu sehr dazu, Top Gun als Vorlage zu verwenden, und die zentrale Mission fühlt sich sehr nach Star Wars an, aber ansonsten ist Maverick alles, was wir wollen – und mehr.[Ian Spelling] Lesen Sie unsere Bewertung hier.Während eines kürzlichen Auftritts in „The Late Show With Stephen Colbert“ warb Regisseur Ron Howard für seinen neuesten Dokumentarfilm „We Feed People“.Als er das Thema des Films ansprach, sagte der Oscar-prämierte Regisseur José Andrés, der Starkoch, der zum Lebensmittel-basierten Humanisten wurde: „Es stellt sich heraus, dass man einen Superheldenfilm ohne Spezialeffekte oder sogar Spandex und einen Umhang machen kann.Aber du musst das richtige Thema finden.“In Andrés, dessen World Central Kitchen Hunderttausende von Mahlzeiten für Katastrophenopfer auf der ganzen Welt bereitgestellt hat, fand Howard ein scheinbar so tugendhaftes, unermüdliches und letztendlich erfolgreiches Thema, dass Superman selbst seinen heroischen Fähigkeiten nachgeben könnte.We Feed People ist die rasante und fesselnde Darstellung der Bemühungen des in Spanien geborenen Kochs.Howard nimmt uns mit in Andrés' Betrieb und in seinen Kopf und stellt uns einen enthusiastischen und achtlosen Weltenbummler vor, der von einer weit verstreuten Krise zur nächsten reist und die Lieferung warmer Mahlzeiten an bedürftige Einheimische anführt.Es ist inspirierend und oft aufwühlend, und während es Momente gibt, in denen der Arzt droht, in die Hagiographie zu kippen, wen interessiert das?Andrés hat sich diesen Mid-Career-Tipp der (Koch-)Hüte verdient.[Mark Keiser] Lesen Sie hier unsere Bewertung.In dem herzzerreißenden Biopic Benediction nutzt Regisseur Terence Davies erneut seine Kunst, um seine eigene persönliche Qual auszudrücken und mit seinen Dämonen zu ringen.Ein zarter Jack Lowden spielt den gequälten Schriftsteller Siegfried Sassoon, dessen kraftvolle Antikriegslyrik nach seinem Dienst im Ersten Weltkrieg dazu führte, dass er in eine psychiatrische Klinik in Edinburgh gebracht wurde.Sassoon würde sich nie von den psychischen Wunden erholen, die er während des Krieges erlitten hatte, und verbrachte den Rest seines Lebens mit einer erfolglosen Suche nach innerem Frieden.Die tragische Schönheit von Benediction fühlt sich direkt aus Davies' Seele an, und seine lang gehegte Ambivalenz gegenüber seiner Homosexualität und seine Abneigung gegen den Katholizismus spiegeln sich in Sassoons Reise wider.Diese Reise führt Sassoon ins Nachkriegs-London, wo die kleinlichen Rivalitäten und messerscharfen Demütigungen seiner eifersüchtigen, bettlägerigen, schwulen Clique ihn zu einer geschlechtslosen, heterosexuellen Ehe treiben.Peter Capaldi spielt den älteren Sassoon, eine bittere Hülle eines Mannes, der in einem letzten verzweifelten Versuch, Trost zu finden, zum Katholizismus konvertiert.Benediction wird mit einer stattlichen Einfachheit erzählt, die es ermöglicht, dass seine enorme Gefühlstiefe in Ihre Haut eindringt, und enthält die wunderschönen Dialoge und visuellen Höhenflüge, die Davies 'einzigartige Signaturen sind.Wie Jordan Hoffman schrieb: „Nichts an diesem Film ist erhebend, aber Davies‘ Umgang mit dem Material ist so exquisit, dass die überwältigende Melancholie am Ende zu einem Werk der Poesie wird.“[Mark Keiser] Lesen Sie hier unsere Bewertung.Neptune Frost begann als Graphic Novel, dann als Musical, dann als drei Alben, die von [Saul] Williams unter dem Namen MartyrLoserKing produziert wurden.Der Film bietet Lin-Manuel Miranda und Fela!Produzent Stephen Hendel als ausführende Produzenten.Es ist auch das erste narrative Feature von Knitting Factory Entertainment, das vor allem für seinen legendären Konzertsaal in New York City und sein avantgardistisches Plattenlabel bekannt ist.Kurz gesagt, es gibt verdammt viel Cooles an diesem Ding.Oh, und der Frost des Titels ist ein großer weiß-roter Vogel, der während des Fluges ein paar Nahaufnahmen macht, aber ganz offensichtlich nur von jemandem gehalten wird, der sich synchron mit der Kamera bewegt.Es sind handgefertigte Elemente wie diese, die Neptune Frost zu mehr als nur dem Rezitieren postkolonialer Traktate und cooler Musik machen, sondern zu einem temperamentvollen, einzigartigen Film, der es wert ist, angesehen zu werden.[Jordan Hoffman] Lesen Sie hier unsere Rezension.Es dauert nicht lange, bis „Fire Island“, Joel Kim Boosters sofort klassischer Jane-Austen-Riff, seinen Anspruch im Kanon der romantischen Komödie geltend macht – oder besser gesagt trotzig außerhalb davon.Weniger als eine Minute nach Beginn der Eröffnungssequenz bezeichnet Booster Pride And Prejudice, sein Ausgangsmaterial, als „Hetero-Unsinn“.Als Lizzie Bennets Stellvertreterin in dieser Geschichte erzählt der schwule Brooklyner Noah weiter: Er schaudert angesichts der „Boyfriend-Energie“ des nackten Mannes in seinem Bett, dessen Name ihm eindeutig entgeht, und ruft dann seine Wahlfamilie an, die Gruppe von Freunden, die ihr Jahrbuch feiern Urlaub auf Feuerinsel, das F-Wort (das für Schwule reserviert ist).„Sag mir nicht ab“, sagt er uns mit einem Augenzwinkern.„Ich fordere es zurück!“Es genügt zu sagen, dass dies keine typische Rom-Com ist – aber andererseits, wie könnte es sein?[Jack Smart] Lesen Sie hier unsere Rezension.Voller farbenfroher Helden, teuflischer Schurken, atemberaubender Actionsequenzen, schwindelerregender Tanznummern und vor allem tugendhafter Freundschaft, angetrieben von fieberhafter Kreativität und einem scharfen und eindeutigen Stolz auf das indische Volk und seine Geschichte, ist Telugu- Das Sprachepos RRR wurde schnell zur Mundpropaganda-Sensation des Jahres.Seine unermüdliche Fähigkeit, Menschenmassen zu gefallen, zuerst bei seiner Erstveröffentlichung, dann bei Sondervorführungen und schließlich als Teil der Streaming-Bibliothek von Netflix (wenn auch in einer anderen Sprache), hat es von einer ansprechenden Gegenprogrammierung zu einem gewaltigen und scheinbar unermüdlichen Internationalen katapultiert Sensation.Obwohl es unbestreitbar ein Produkt der Filmgemeinschaft und der Industrie ist, für die es ursprünglich konzipiert wurde, unterstreicht sein wachsender und verdienter Erfolg die Ausweitung des Kinos als Plattform für die Erforschung verschiedener Kulturen und verschiedener Traditionen sowie für die Universalität eines Brunnens -erzählte Geschichte.[Todd Gilchrist] Lesen Sie hier unsere Rezension.Nancy ist eine 55-jährige Witwe, die auf die Ankunft einer Sexarbeiterin wartet, die ihr hoffentlich den ersten Orgasmus ihres ganzen Lebens bescheren wird.Der männliche Begleiter dieser monumentalen Aufgabe ist der „ästhetisch perfekte“ junge Leo (Daryl McCormack), und wie er im Laufe ihrer vier Treffen erfahren wird, bedeutet es, Nancy die Chance zu geben, ihr O-Face zu zeigen, sie gründlich zu brechen - etablierte Verteidigung.Wenn das wie die Prämisse für eine Komödie oder sogar eine Tragödie klingt, ist es eigentlich keines von beiden.Viel Glück, Leo Grande ist ein zärtlicher und äußerst befriedigender Charmeur, dessen Themen Selbstakzeptanz und Körperpositivität mit einer leichten und sorgfältig ausgearbeiteten Note vermittelt werden.Emma Thompson zeigt sich als Nancy von ihrer stacheligen, verletzlichen und äußerst intelligenten Seite, ein Ersatz für jede Frau, die ihre Sexualität aus Scham, Gefühlen der Unzulänglichkeit oder dem Bedürfnis, anderen zu gefallen, unterdrückt hat.Der Film, der sich fast vollständig in einem Raum entfaltet, ist eine Zwei-Charakter-Studie über das sexuelle Erwachen und eine herzliche, sehnsüchtige Botschaft aus dem äußersten Winkel der Altersgrenze.Es ist eine sexuell offene und intime Geschichte, die auf angenehme Mainstream-Weise erzählt wird und Grußkartenklischees und leeres „Frauenpower“-Gehabe vermeidet.[Mark Keiser] Lesen Sie hier unsere Bewertung.Cooper Raiff ist, ähnlich wie sein letzter Film, ein Rohdiamant.Er besitzt großes Talent als Autor, Produzent, Regisseur und Schauspieler.Shithouse hat es angedeutet, und Cha Cha Real Smooth bestätigt es meistens, aber er muss sich selbst aus dem Weg gehen, wenn er langfristig dabei bleiben will.Cha Cha Real Smooth dreht sich um Andrew (Raiff), einen frischgebackenen College-Absolventen, der zum Partystarter wird und sich in das Leben einer beschützenden 30-jährigen Mutter, Domino (Dakota Johnson, die sich auszeichnet), und ihrer autistischen Tochter (Vanessa Burghardt) investiert , der eigentlich Autist ist).Sie bilden ein bisschen eine familiäre Bindung (als Ergebnis davon, dass er für Lola sitzt), und es gibt einen Scherz über eine Domino-Andrew-Romanze, aber die Umstände kommen in die Quere.Der Film ist süß und schmerzlos, wenn er hätte beißen sollen, und das Ende enttäuscht.Außerdem ist Cha Cha Real Smooth wie ein anständiger Fernsehfilm gedreht, wenn es mehr Regie-Flair erforderte.Trotzdem ist sein Herz am rechten Fleck und es gibt weitaus schlimmere Möglichkeiten, 107 Minuten zu verbringen.Außerdem könnte er eines Tages als einer von Raiffs frühen, prägenden Filmen in Erinnerung bleiben.[Ian Spelling] Lesen Sie unsere Bewertung hier.Obwohl Marcel The Shell With Shoes On nicht das erste Rodeo des gleichnamigen Helden ist, ist es sicherlich sein bisher größtes Abenteuer, mit einem noch größeren erzählerischen Umfang und emotionalen Umfang als zuvor.Die gesellige, 2,5 cm große, einäugige Muschel mit kindlicher Stimme und winzigen Turnschuhen wurde uns zum ersten Mal durch YouTube-Kurzfilme vorgestellt, die seinen Alltag und seine witzigen, innersten Gedanken aufzeichneten, unsere Lachmuskeln kitzelten und unsere Herzen wärmten.Jetzt erweitern Co-Creator/Regisseur Dean Fleischer Camp und Co-Creator/Marcel-Stimme Jenny Slate die Ursprünge und die Welt der Miniatur-Muschel in einem Live-Action/Stop-Motion-Animations-Hybridfilm und beschenken uns mit einem lebensbejahenden, super charmanten und liebliche Reise.Es ist ein beruhigender Balsam, der sich von allen anderen gesunden Eigenschaften unterscheidet.[Courtney Howard] Lesen Sie unsere Bewertung hier.